Se que prometí currarme un análisis como dios manda de los Oscar, pero son tantas cosas las que he prometido en mi vida y no he cumplido que no voy a empezar ahora.
Como toda persona bien informada sabrá, M$B fue la gran triunfadora de la noche. Justamente? Pues yo diría que sí, a mi me gusta ligeramente más El Aviador, y mi preferida de las 5 era Sideways, pero creo que nadie se puede echar las manos a la cabeza por la victoria de Eastwood. Me da pena Scorsese, ya es la enésima vez que este grande del cine, se queda sin Oscar, y puede que la biografía de Howard Hughes no sea su mejor trabajo pero es una excelente película y con una dirección que roza la perfección. Como era de esperar, Foxx se llevó el mejor actor y Hillary Swank el de mejor actriz. Se recompensó finalmente la labor de Morgan Freeman con un Oscar al mejor secundario (tendría que tener 2 como mínimo) y Cate Blanchett ganó con la sombra de Katharine Hepburn planeando sobre ella.
Dos de las películas más estimulantes del año, Sideways y Eternal Sunshine of the Spotless Mind, fueron reconocidas con sendos Oscar a los mejores guiones y el insufrible Amenabar se llevó el Oscar a la mejor película de habla no inglesa.
Ah si! Por segundo año consecutivo Sean Penn volvió a hacer el soplapollas encima del escenario. Te tengo declarada la guerra ex chico Madonna.
La verdad es que esta semana he tenido una semana perra, perra, la agotadora carrera contra el crono de los exámenes me ha dejado literalmente muerto. Tenía un par de artículos cojonudos en mente sobre Spanglish y Napoleón Dynamite que desgraciadamente han quedado en el limbo de mis ideas. La verdad es que me da auténtica pena, porque según los iba perfilando en mi cabeza, me daba cuenta que posiblemente serían de lo mejor que he escrito nunca (lo cual tampoco es difícil), estaré “digievolucionando” como escritor?. Aunque no tenga ni tiempo ni ganas de escribir los artículos completos sobre estas películas no puedo dejar pasar de escribir un par de líneas sobre todo lo visto esta semana.

- Spanglish: Si la mediocridad tuviera un nombre, posiblemente se llamaría “Spanglish”. Todos sabemos que la filmografía de James L Brooks, está tremendamente sobrevalorada, sobretodo en Estados Unidos, pero creo que esta vez este hombre ha tocado fondo. Película misógina hasta la nausea (rasgo por cierto que también se intuye en “Mejor imposible”), no encuentro ningún detalle salvable de la quema, los actores salvo los niños están francamente horribles, mención especial para Teo Leoni y aunque me duela decirlo Adam Sandler, pero si los actores ya de por sí están rematadamente mal, el guión no les ayuda para nada, con unos personajes mal definidos, en los que nunca se saben sus motivaciones y el porqué de algunas de sus acciones. No se si alguien tenía ir pensado ir a verla, pero mejor que se quede en casita y se ahorre el dinero.

Napoleon Dynamite: El gran “sleeper” del año pasado en Estados Unidos, una comedia amable sobre un auténtico perdedor, uno de esos “nerds” que tanto abundan en la tierra de Bus. Gracias a dios no se trata de una película moralizante, y de esas que nos hacen ver lo malos que son los quaterbacks y las capitanas de las animadoras de los institutos, simplemente es la vida de un chaval con pocas luces con aspiraciones a ser el chico más popular del instituto. Una película real pero con personajes de lo más marciano que te puedas imaginar. Totalmente recomendable, pena de que solo se haya estrenado en dos cines de toda españa.

No quiero terminar sin repasar brevemente dos películas que he revisionado esta semana en DVD.
Yo, Robot: Gana tremendamente con un segundo visionado, de mediocre he pasado a considerarla una más que buena película. Una pena que Will Smith se empeñe en soltar demasiadas chorradas durante la película, empaña el tono de la cinta. Exactamente lo mismo que el final, demasiado americano, un final apocalíptico hubiera quedado perfecto.
El Efecto Mariposa (Director´s Cut): Esta película ha tenido una mala suerte tremenda, si no estaríamos hablando de una película de culto. Primero, hizo buena taquilla, con lo que esos cinéfilos que detestan todo aquello que huele a mayoritario, ya la tildaran de comercial; segundo, los protagonistas son adolescentes y tercero sale Ashton Kutcher. Si no es por estos tres detalles, más de alguno se correría con esta película y la elevaría a la categoría de genialidad como Memento, Cube o Dark City.
Para mi sigue siendo una grandísima película y más aún con el nuevo final que han añadido en el Director´s Cut.

Dos horas de mi vida tiradas por la alcantarilla y con la sensación de haber sido brutalmente desvirgado analmente por un negro de considerables dimensiones (fálicas y no fálicas) y encima haber puesto la vaselina.
Estas cosas me pasan por ingenuo, yo que estaba llevando por la buena senda del frikismo a mis colegas de toda la vida, y les había llevado a ver Napoleon Dynamite, Steamboy, Code 46 y Oldboy (las tres últimas todo un reto al ser en versión original), ahora me ha tocado ver el salvaje reverso de la moneda.
Cuando nos dirigíamos al cine, íbamos discutiendo sobre qué película ver, unos que si El Escondite, otros que si Hitch y yo soltando como quién no quería la cosa que podíamos ver Hotel Ruanda. Y es que la cartelera de marzo no está precisamente para dar muchas alegrías (tan sólo Team America), pero hete aquí un detalle que se me había pasado por completo, esta semana aparte de Alfie, American Splendor, Blade Trinity (que ya habíamos visto todos en el festival de Calle 13), estrenaban una película española llamada “El penalti más largo del mundo”, y casualidades de la vida, mis amigos de la vida cual Tejeros (el militar, no el portero), dieron un golpe de estado y decidieron que hoy íbamos a promover el cine español. Sé que nadie me obligaba a entrar, pero las opciones eran pocas o me metía a ver Hitch, que tampoco pintaba mucho mejor y hacía esperar cuarto de hora a mis acompañantes o directamente me quedaba dos horas haciendo el moñas en un centro comercial con cuatro comercios de mierda. Creo que me arrepiento de no haberme convertido todavía en un ser jodidamente asocial y haber mandado a mis colegas a tomar por culo. Una lástima, porque lo que me esperaba era una de las peores películas que vamos a sufrir este año, sino la peor.
La historia es bien sencilla, un fracasado de la vida pero con gran encanto, se gana la vida como reponedor en un supermercado a la vez que alterna como portero suplente en el equipo del supermercado, que está apunto de subir a segunda regional (sic), pero cuando parece que su vida va a seguir igual de lamentable que de costumbre, en el último minuto del partido decisivo, su equipo comete un penalti lesionándose a su vez el portero titular y héroe del equipo, dejando así el destino de su equipo en sus torpes manos, pero cuando el penalti se va a lanzar la afición del equipo arremete contra el colegiado y el partido se tiene que ver suspendido hasta la próxima semana, donde se lanzará el penalti a puerta cerrada y con los mismos jugadores sobre el campo.
Y a partir de aquí lo interesante, lo que podría considerarse como una anécdota sencilla, se reduce a ver 2 horas del insoportable Tejero haciendo el mismo papel que Aquí no hay quien viva, hablando sobre estupideces a la vez que embaucando a todo el mundo siendo un caradura (imagínense lo gilipollas que tienen que ser los demás personajes para dejarse engañar por un cazurro semejante). El reparto merece mención especial, quitando la pobre María Botto, que no se sabe que coño pinta ahí y Enrique Villén, estupendo secundario de Crimen Ferpecto entre otras y un gran olvidado dentro del cine secundario, el casting es de lo peor que se ha podido reunir en décadas dentro del cine español, con especial atención a Marta Larralde, cuyo único mérito es poner cara de borde (y estar buena), el entrenador, Carlos Kaniowsky, con una actuación tan sobreactuada que hace pensar si habrá estudiado teatro en la misma escuela que Joey Tribbiani y al metrosexual del portero titular del equipo del barrio, que no se como se llama ni putas ganas, pero si se que el cine desde luego no es lo suyo.
Lo mejor de todo, era escuchar como el público no paraba de reírse con las supuestas gracias, gracias por otra parte que se limitaban a hacer chistes sobre los porros y la cerveza (mamá quiero ser guionista de cine español) y a utilizar todos los tópicos existentes sobre los habitantes de los barrios periféricos de Madrid.
Por cierto al final Tejero por supuesto que para el penalti, (2 veces) se lleva a la chica y todos acaban comiendo perdices y siendo felices (menos yo). Sé que os he jodido el final de la película, pero mirarlo por el lado bueno, al menos os he evitado pagar una entrada, para que luego digan que los blogs no tienen ningún tipo de valor social.

Hay frases que se quedan marcadas a fuego y ésta se me ha quedado a mi grabada. Es del principio de la película Hotel Rwanda, una de las grandes sorpresas de lo que llevamos de año cinéfilo y que por desgracia va a pasar muy desapercibida en una cartelera que parece seguir viviendo todavía bajo el embrujo de Million Dollar Baby (señores espabilen que se están perdiendo otras grandes películas y no me refiero precisamente a Alfie, Hitch o El Escondite, películas que a pesar de mi gran cinefilia o cinefagia más bien, me estoy negando a ver, algo raro en mi, me estaré volviendo mayor o simplemente soy un vago de mierda? Más bien lo segundo.
Para los que desconozcan de que va la película les diré que está basada en un hecho real (tranquilos están leyendo un blog de cine y no viendo Antena 3 a las 4 de la tarde, no sufran) y recrea la matanza en Ruanda de la tribu hutu contra los tutsis. Una de las mayores matanzas de este siglo, de la que se calcula llegaron a morir casi medio millón de personas y que dado que en Occidente nos importa una mierda lo que ocurra en Africa, fue ignorada por los medios de comunicación, las grandes potencias y por qué no decirlo la propia población.
Don Cheadle es Paul Rusesabagina (apellido que no me hubiera gustado tener en el colegio), un eficaz encargado de hotel, uno de esos tipos que es capaz de meterse a cualquier persona en el bolsillo, gracias a su saber estar y a su afable carácter. Paul es un hutu, que está casado con una tutsi (espléndida Sophie Okonedo), por lo que es neutral más bien en el conflicto racial. Y claro como suele pasar en estas ocasiones, que no es ni más ni menos que la vida real, la guerra estalla y se desencadena la matanza.
El resto de la película asistimos a una historia muy parecida a la de La Lista de Schindler de Spielberg, Paul encierra a todos los refugiados hutsis y hutus que puede en su hotel y mueve viento y marea, con tal de lograr que sobrevivan, contra todos los ataques de la guerrilla hutsi.
El resto de la película es una bajada a los infiernos, literalmente hablando. El director muestra una gran sensibilidad al no mostrar la barbarie de la matanza, dejando al espectador que se conmueva a través de la historia de los supervivientes y no mediante imágenes explícitas del genocidio. Sin embargo lo que más conmueve e indigna, es todo lo que tiene que ver con Occidente en la película.
Lo primero que da qué pensar es la raíz del conflicto. Como bien se es sabido a poco que se haya estudiado algo de historia, África sufrió una gran colonización de europeos, los cuales saquearon literalmente las riquezas africanas y cuando ya hubieron ordenado bien a la vaca, hicieron una nefasta descolonización, dejando el territorio empobrecido y con diversas disputas locales. Uno de los casos más graves fue el de Ruanda, en el que los belgas dividieron a la población en 2, basándose en caracteres físicos (o más bien diría que basándose en lo que les salió de los cojones), dejando a los hutsis en el poder y sembrando la discordia entre los hutus y de paso, dejando los mimbres para el futuro genocidio.
Hay otra frase que dice Joaquin Phoenix en la película, que ciertamente, deja deshecho a cualquiera. El personaje de Don Cheadle habla con él y le afirma que algo tendrán que hacer las autoridades internacionales y las personas después de ver las imágenes de la matanza, a lo que el personaje de Phoenix le responde que posiblemente las personas vean esas imágenes en el telediario durante la cena, digan lo horrible de la situación y sigan cenando. Más duro que cualquiera de las imágenes que nos pudieran mostrar de la barbarie.
No quiero dejar pasar la oportunidad de denunciar el injusto olvido de esta película para todo el mundo, en especial para la academia de Hollywood. Una película igual pero situada en el holocausto nazi hubiera sido la gran triunfadora de los Oscar de esta edición, pero es que como denuncia la película, un holocausto en África debe vender mucho menos que, un genocidio entre los judíos, al fin y al cabo, son éstos los que dominan la Academia de Hollywood y medio Estados Unidos.

Que mes más malo cinematográficamente hablando este mes de Marzo, por Dios. Que una película que no me interesaba lo más mínimo hará cosa de dos meses, se haya convertido en mi estreno más esperado (Team América me la sé de memoria y ya me tragué Saw dos veces en Sitges y encima la tengo en DVD), puede dar cuenta de lo mal que están yendo las cosas por las carteleras españolas.
El viernes me di el gustazo de darme una sesión doble de cine, hacía eones que no lo hacía. Después del vil plan de mis colegas de llevarme a traición a ver la película de Tejero, he decidido descansar de ellos durante una temporada y volverme un ser aún más insociable y solitario, y la verdad es que me encanta. Siempre he dicho que la amistad es un concepto muy sobrevalorado y si uno se lo pasa de puta madre solo para qué narices tener que soportar a una banda de payasos que en su mayoría odias (ojo, que no es mi caso, que mis colegas, salvo excepciones, me caen fenomenal, pero también conviene descansar un poco de ellos). Es el miedo a la soledad que tiene esta sociedad.
No me gusta ponerme transcendente, ni tampoco ponerme a hablar de mi vida privada sino es con un talón de por medio (me vendo barato), así que voy a lo que realmente interesa, la nueva película de la factoría de animación Blue Sky, los creadores de la horrible Ice Age.
Robots es una película principalmente sencilla (o simple como quieran verlo ustedes, yo me decanto por la segunda) a la par que tremendamente divertida. Parece que los creadores han decidido quitar peso a la historia, adecuarla a un público más infantil y dejar en cambio una estética más adulta para el film. Mal hecho. Hay que aprender de Pixar, que hacen justamente lo contrario, estética infantil para guiones muchísimo más adultos, es precisamente esa la principal razón por la cual Pixar arrasa entre todos los públicos.
Dicho el principal problema de la película, lo endeble del guión, hay que centrarse en sus virtudes que son varias. La más importante es su agradable sentido del humor, lejos de los chistes zafios de Dreamworks, Robots apuesta por un humor mucho más sano e inteligente, también para todos los públicos, pero extremadamente divertido. Los gags a lo largo de la película son incontables y todos muy bien enlazados. Es quizás una de las cosas que más me ha sorprendido de la película, sobre todo comparándola con el anterior trabajo, Ice Age, que tenía un humor francamente patético (salvo el genial gag de los pájaros Dodos).
Otro punto a favor de Robots, es su increíble reparto vocal, a uno le faltan los dedos de la mano para contar a los actores que van prestando su voz a lo largo de la cinta (Ewan McGregor, Halle Berry, Greg Kinnear, Mel Brooks, Amanda Bynes, Robin Williams, Paul Giamatti, Stanley Tucci.......) y me podría tirar medía hora citando nombres. Pero sin duda alguna hay uno que destaca por encima de todos, el gran Robin Williams. Actor denostado donde los haya, solamente por que hace reír a la gente y le gusta hacer el payaso en público. Es increíble, ver la cantidad de registros que tiene este hombre y como es capaz de modular la voz, todo un ejemplo para muchísimos actores. Ya lo demostró con Aladdin, cuando el bueno de Robin, se pone detrás de un micrófono para delirar, nadie puede con él y su personaje es sin duda lo mejor de la película.
Técnicamente la cinta es una maravilla, no se le puede poner ninguna pega (se nota que Fox ha aflojado la mosca después del éxito de Ice Age) ,el mundo creado por Wedge y Saldanha es impecable y el diseño retro de los robots es alucinante, pero también le achaco un único pero y es que se han recreado demasiado con su obra y han alargado las escenas innecesariamente solamente para demostrar lo maravillosa que es la animación de la película que han creado (véase esa interminable donde Fender y Rodney son transportados en una bola gigante o la horrible secuencia del surf y el dominó)
Una auténtica lástima, esa carencia absoluta de guión y que la historia no llegue a enganchar nunca con el espectador, porque podríamos haber estado ante una grandísima película de animación, aun así se nota que Blue Sky va mejorando, veremos que tal se le da con la secuela de Ice Age 2.

PD: Imprescindible la Versión Original en Robots y más si no queréis morir con el doblaje de Elsa Pataky o Alejo Sauras.

Por una vez no voy a ponerme a hablar de los últimos estrenos que he visto, que por otra parte es agotador y veo que tampoco acaba de convencer a los respetables lectores de este blog.
Ya es definitivo, ha comenzado el proceso contra Michael Jackson, anteriormente conocido como Rey del Pop y ahora llamado el “Príncipe de Corporación Dermoestética”. Cual es mi sorpresa al ver en la Imágenes de Actualidad, que me han copiado el pensamiento (será simbiosis?) y en su columna de Hollywood Babilonia dedican todo un artículo al tío Michael y a su proceso judicial.
No se por qué será, pero llevo un mes entero, pensando en el autor de Thriller. Entre el lanzamiento al mercado del DVD Moonwalker, el proceso judicial y que me bajé recientemente su discografía en MP3, este mes se ha convertido oficialmente en mi mes Jacko.
Es triste reconocer, para un cinéfilo (o cinefago, ya no se ni lo que soy) que el lanzamiento en DVD más esperado de este mes fuera Moonwalker, por delante de maravillas como Los increíbles, Heat, Bambi o bizarradas como Ichi the Killer , pero la vida es así; y una vez revisionada la obra, la verdad es que no me ha defraudado. Estamos ante una de las películas mas apasionantes de las últimas decadas y repletas de un sentido onírico que ya lo quisiera David Lynch para su cine.
La película comienza con el famoso videoclip de Bad (el de los malotes que se ponen a bailar en el metro y que cuenta con Wesley Snipes) pero protagonizado por tiernos infantes que bailotean más mal que bien a sus anchas por la estación. La verdad es que no ha empezado la película y uno ya se siente consternado, decenas de niños vestidos como pandilleros del Bronz protagonizando un videoclip y ni rastro de Michael Jackson, pero a su vez, dando a entender que ese chaval que protagoniza el video, es el rey del pop. Una vez terminado el supuesto rodaje, el tierno infante marcha con sus representantes “todos niños” hacia los estudios de la Warner, pasando por una especie de humo mágico (al más puro estilo Lluvia de estrellas) y trasformándose de nuevo en adultos.
Y ahora es cuando viene la auténtica paranoia mental de la película, en las afueras de los estudios aguardan figuras de plastilina que aguardan a los famosos para conseguir un autógrafo, y por supuesto, no tardan mucho en percibir en Jacko a su nueva presa. A partir de ahora, se emprende una loca persecución por los estudios de la Warner, siendo nuestro héroe particular perseguido por infinidad de grotescos muñecos de plastilina (mejor eso que por las autoridades del condado de California), teniéndose que resguardar en un camerino, disfrazándose de conejo, de plastilina y montándose en una moto en la que huir al desierto. Se, que estoy divagando y que os importa tres cojones lo que esté diciendo, pero es que el visionado de esta obra magna despierta en mi unas sensaciones de inquietud que ni el visionado de “Twin Peaks” en mis años mozos había logrado despertar.
Terminada la primera parte de la película, menos conocida por el gran público, pasamos a una segunda mucho menos onírica, pero a su vez mucho más espectacular y carismática.
Jacko ahora no es Jacko, es un personaje misterioso, que viste elegantemente y que se encarga de cuidar a unos tiernos infantes (que raro) desprotegidos de un malvado tirano llamado Mr Big, gran Joe Pesci, que amenaza con inducir a los chavales a la droga (casualidades de la vida “Maikol” está acusado de inducir al alcohol en el nuevo proceso).
Digo que la historia es más conocida por todos porque quien más y quien menos hemos jugado a uno de los dos maravillosos videojuegos de la película (se hicieron más, pero los otros eran una mierda). En concreto me refiero al de recreativa y al de MegaDrive. Ya sabéis, Michael Jackson vestido de blanco, bailando como él solo sabe hacerlo, induciendo a los gangster del bar al bailoteo gracias a sus habilidades mágicas y trasformándose en un mortífero robot para salvar a los críos (supongo que por el mismo método que paso de negro a blanco).
De verdad, que siento haber plasmado en el blog tal diarrea mental, pero es que si no lo escribía reventaba. Como compensación, pienso escribir sobre todos los temas que me propongáis en los comentarios y de paso abriré el turno de insultos y calumnias como en los viejos tiempos

Era prácticamente obligatorio que tarde o temprano acabara hablando de dos de mis mayores ídolos actualmente en la industria del cine, esos dos cabronazos que responden a los nombres de Trey Parker y Matt Stone.

Trey Parker es la cabeza pensante de este monstruo bicéfalo. Co-creador de la serie de animación South Park, conoció a Matt Stone, en la Universidad de Colorado. Estudiando ambos en dicha universidad, empezaron a producir varios cortos cómicos entre los que destacaba uno entre todos, “Frosty vs Santa Claus” que daría lugar más adelante al corto que les haría saltar a la fama. Ya por separado y sin la ayuda de Stone, Parker dirigió “American History” premiada por la Academia de Alumnos de cine.

En 1994, escribió, dirigió y protagonizó su primer largo, “Cannibal: The Musical”, una hilarante comedia gore musical producida por la legendaria productora de serie Z Troma. Cannibal parodiaba al famoso musical de éxito en USA, “Alabama”, pero a su vez basado en el primer caso de canibalismo en la historia de Estados Unidos. La película, auténtica obra de culto en los círculos underground llamó la atención de Brian Graden, por aquel entonces ejecutivo en FoxLab y actual presidente de programación en MTV/VH1. Graden les encargó la creación de un vídeo navideño con el que poder felicitar a sus amigos. De esta manera nació “The Spirit of Christmas” un corto animado de cinco minutos de duración donde aparecen Jesús y Santa Claus peleándose por obtener el papel protagonista de las fiestas de navidad mientras los niños, que guardaban gran parecido con los personajes de South Park, les miran atentamente. Galardonado con el premio de los Críticos de Los Ángeles a la Mejor Animación, el cortó no tardo en convertirse en uno de las comidillas de Hollywood, promovido entre otros por el famoso George Clooney que fue uno de los grandes impulsores para que ficharan a Parker y Stone.

Después de una gran lucha por hacerse con los servicios de estos dos genios, “South Park” debutaría el 13 de Agosto de 1997, convirtiéndose desde el primer momento en el programa con más audiencia de la historia del canal de televisión Comedy Central.

Con South Park como seguro de vida, Parker dirigiría y protagonizaría su segundo film, “Orgazmo”. Una parodia sobre las películas de superhéroes, que narra las andanzas de un joven y virginal mormón en el truculento mundo del porno.

La película, que no fue un gran éxito y pasó casi desapercibida, llamó la atención del legendario director David Zucker, responsable de películas como “Top Secret”, dos partes de “Agárralo como puedas” o la reciente “Scary Movie 3, quién ofreció a los dos jóvenes la oportunidad de participar en su próximo proyecto como pareja protagonista. La película sería “Baseketball”, una divertidísima sátira sobre el mundo del deporte norteamericano, donde dos vagos redomados llegan a convertirse en estrellas nacionales de un deporte que ellos mismos inventan.

Un año más tarde, llegaría el año de la confirmación de Parker dentro de la industria del cine, con el largometraje sobre su serie de animación South Park. La película se convirtió en uno de los éxitos inesperados del año y llegó incluso a estar nominada a los Oscar por la mejor canción, “Blame Canada”.
Actualmente Trey Parker continúa inmerso en el mundo de South Park, tras el relativo fracaso de una serie producida por él y Stone llamada “That´s my Bush”, protagonizada por el actual presidente de los Estados Unidos donde se le retrataba como un entrañable y estúpido metepatas.

Matt Stone es la otra parte del dúo. El más gamberro de los dos, pero también el que menos se involucra en los proyectos ya que no dirige las películas y se limita a actuar y a colaborar con el guión de Parker. Stone ha compuesto, participado y ha sido productor ejecutivo de varios álbumes que llegaron a ser disco de platino en el mercado estadounidense como “Chef Aid: The South Park Album”, la banda sonora de la película de South Park, “Los Clásicos Navideños del Señor Mojón” o “Timmy and The Lords of the Underworld. Actualmente reside en Los Angeles y se dedica junto a Parker a sacar adelante la serie de South Park.

Hecha la introducción, que he plagiado descaradamente de mi artículo de Ociojoven de Team America, os emplazo a mi próximo artículo sobre ellos, donde me explayaré mas ampliamente sobre su filmografía.

Artículo dedicado a petición del crack de yonmacklein